En Europe, plus d’un tiers des fruits et légumes sont jetés pour non conformité aux exigences du marché : ils ne sont pas assez beaux pour être vendus.

Caroline Lopez a souhaité revaloriser ces « légumes oubliés » en retravaillant leur image. En devenant savoureux et ludiques, divers et colorés, ils viennent appuyer le propos de Caroline : stop au gâchis et aux préjugés.

Son travail est influencé par des tendances actuelles (mais pas nouvelles) : le penchant « bobo » de la société, la consommation attentive de nourriture bio, de saison, locale etc. Ce retour au naturel s’oppose à une autre orientation alimentaire : celle qui découle de la technologie. En effet, la grande marque Toshiba a annoncé qu’elle allait se convertir à l’agroalimentaire et produire des légumes dans une de ses usines au Japon. Ce nouveau marché propose des produits frais protégés des microbes, donc plus sains. Peut-on y voir alors le futur de l’agriculture urbaine ? S’agirait-il d’une bonne solution pour faire face aux défis environnementaux ?  Ou au contraire devrions-nous nous en méfier ? Et pourquoi ?

Ces deux tendances alimentaires, qui viennent se confronter l’une à l’autre questionnent à la fois le gâchis, le rapport à la nourriture et la tension entre nature et technologie. Elles nous permettent de nous interroger : l’Homme est-il un terrien ou un humain ?

Par Aurélie Virély

Le petipeu étalon est une sculpture en argent de Bérénice Serra réalisée en 2014. Elle représente l’écart entre les doigts qui accompagne d’ordinaire la notion d’un petit peu, d’une moyenne de 2,64 centimètres, d’après une étude réalisée sur un échantillon de 1000 personnes.

Le petitpeu étalon met en tension la sensibilité du geste, variable, indéfinie et personnelle, avec un système métrique scientifique, qui mesure et fige une valeur en une norme, fixe et impersonnelle. Une mesure indéfinie est ainsi forcée à être définie par une simple étude statistique regroupant des mesures effectuées sur une grande population.

Cet étalon cherche à mesurer le non-mesurable et questionne la notion de norme ; est-ce que le sensible est mesurable ? Il illustre plusieurs contraintes relatives au travail du designer telles que l’ergonomie et l’adaptabilité, dont le travail se situe à la croisée du monde sensible, subjectif et personnel et du monde scientifique, objectif et destiné à tous.

Antoine DERRIEY

Ornithology est une oeuvre de l’artiste américain Juan Fontanive datant de 2013.

Il s’agit d’un petit dispositif motorisé qui fait défiler des images d’oiseaux. Ces images font penser aux gravures ou aux représentations pouvant se trouver dans des manuels d’ornithologie. Le format carré du dispositif et le défilement continu peut aussi rappeler une éphéméride et symboliser le temps qui passe. Tout cela évoque donc un projet sensible et poétique, or, à la Biennale du design de Saint-Etienne, cet objet s’est retrouvé au milieu d’une exposition traitant de sujets d’une autre gravité, posant un questionnement sur notre futur avec des thématiques telles que la surveillance, l’identité numérique, la collecte d’informations personnelles, l’espionnage aérien par des drones, etc…

Pourquoi avoir placé cette oeuvre dans cette pièce ?

Lorsqu’on se déplace au sein de l’exposition on est d’abord attiré par le bruit provoqué par le dispositif, ce qui nous oblige à lever la tête pour le découvrir. On se demande alors ce qu’il fait là, ou ce qu’il signifie. On lui cherche un sens, une utilité, une quelconque dénonciation de la société ou encore un mouvement activiste pour la protection des oiseaux. Mais il n’en est rien. Si dans un autre contexte elle aurait été simplement un appel à la contemplation emprunt d’une certaine légèreté, dans le cadre de cette biennale cette oeuvre prend un autre sens. Elle provoque un décalage avec le reste des projets proposés tout en y faisant écho. Le dialogue qui s’établit entre ces deux registres d’oeuvres me semble assez ambigu. J’ai l’impression que par sa frivolité, cette oeuvre retire toute la gravité de celles qui l’entourent. D’un côté on nous invite à porter un t-shirt qui nous permettra de nous camoufler dans l’espace public afin d’éviter toute surveillance malfaisante et d’être la marionnette d’une grande puissance mondiale et de l’autre on nous invite à lever la tête et à regarder les oiseaux en écoutant leur battement d’ailes.

Par Antoine Mauron

Ce questionnement découle d’une part de la Biennale du design 2015 qui se tient actuellement à St-Étienne, et d’une installation de Karl Nawrot, qui y expose actuellement une œuvre graphique dans laquelle la pratique du dessin est centrale. Ses dessins regroupe des formes produites à partir de gabarits, maquettes et formes industrielles. Il représente une reconstitution de certaines étapes d’un processus de création, ici industriel.

Cela m’a donc amené à penser à comment on expose un projet de design dans une exposition qui est consacrée elle, au Design en général et sa pratique, par rapport au processus de création.

Qu’attendons à voir lorsque nous nous déplaçons pour ce genre d’expositions ?
On constate que la plupart des éléments exposés concerne un « final ». Peut-on alors considérer que tout ce qui a fais ce projet se réduit à un cartel et l’objet fini en lui même ? On estimerais alors que ce que l’on voit pendant l’exposition est le côté explicite de l’objet / projet. Que deviennent le processus de recherches et de création d’un projet ? Font-ils partie de ce que le designer veux montrer à un public ?

On peux se demander alors pourquoi on montre peu ce « cahier des charges » qui va constituer le projet dans son intégrité. Je viens alors à me demander si c’est l’expertise de l’auteur qui rend le projet plus fort, ou au contraire, si le projet est naïf, il a peu de valeur ? Est-ce que les exposer de la même « manière », remet en sorte un pied d’égalité entre les projets, ce qui permet de les montrer avec unité, et ainsi exposer le design tel qu’il est en 2015 ?

Dans la Biennale, Hypervital présente des projets à partir de leurs questionnement de départs. D’autres parts, certains projets de design nous donnes à voir des projets existants, expérimentaux ou étudiants. Les confronter dans la même biennale est une représentation du design actuel, avec des créations qui n’existent que dans leur étapes de recherches.

Je me questionne donc sur l’intérêt d’un graphiste à montrer, par exemple, sa boîte à outil de travail : ses logiciels, ses outils manuels, ses typographies, ses registres de formes ; et qui montrerais ainsi tout le cheminement d’un projet graphique. Est ce que cela nous amènerais à appréhender et apprécier le projet différemment ?

Fanny Claudon

Quelle est le rapport entre l’animal et la danse?

Cela fait maintenant 5 saisons que la Cité de la danse de Rennes «  Le triangle » a confié sa communication au collectif Brest Brest Brest.
La charte graphique mélange le rose, le bleu et le rouge, des trames et des formes géométriques. Chaque année le collectif choisit un animal qui devient le symbole de la Cité de la danse: chaque animal est modifié par la charte graphique, on lui applique une trame, une couleur et un détail que l’on ne remarque pas au premier coup d’oeil (le lapin a une étoile rose dans les yeux, le guépard porte un loup, le renard un losange, et l’ours est associé à plusieurs éléments géométriques).

L’Homme est à la base un être sauvage qui suit son instinct: il a imité les animaux pour se nourrir, pour chasser et pour se reproduire.
Mais au cours de son évolution il a perdu au fur et à mesure du temps l’usage des mouvements fluides et souples des animaux. Et l’animal peut s’apparenter à un danseur, par ses mouvements et sa vitesse, sa souplesse, sa force, sa maîtrise de l’espace.
L’animal utilisé pour chaque saison illustre donc une facette de ce qu’est la danse. Il ne faut pas voir seulement un animal mais la part de l’Homme en lui, et dans cet Homme le danseur qui met en oeuvre ses caractéristiques animales.
(Le lapin figure l’élan, le bond, la chouette le rythme (par le battement des ailes), le guépard la vitesse, le renard l’agilité, l’ours la force et le chat la souplesse.
Rappelons que les fondamentaux de la danse définis par Laban sont: le corps, l’espace, le temps, la vitesse, rythme, et l’interrelation.

Trames et couleurs: les couleurs saturés apportent de la vivacité au visuel, ce qui évoque le mouvement, et de vivant (rapport au spectacle) La trame apporte un rythme graphique, comme si l’image était dessinée à coup de trait régulier basés sur le rythme des mouvements.

Valentin Legrand

Depuis quelques mois la communication urbaine à connu l’arrivé d’un nouveau support de communication, les écrans Samsungs.